Fox Searchlight

«Que je vais révéler être le héros de ma propre vie, ou si cette station doit être tenu par quelqu'un d'autre, ces pages doivent montrer." Même si une carte de titre dans les crédits de fin indique que Stefan Zweig a été la principale source d'inspiration pour Wes Anderson dernière (et sans doute le plus grand) film "The Grand Budapest Hôtel," on ne peut pas aider mais se sentent une parenté entre le film et la phrase d'ouverture immortel chef-d'œuvre de Charles Dickens "David Copperfield." Car en ces termes, le narrateur joue non seulement avec l'ambiguïté de son propre caractère, mais établit aussi un ton nostalgique pour le reste de l'œuvre.

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Ce ne vise pas à être un essai sur la façon "Budapest Hôtel" se compare avec "David Copperfield" (on pourrait même dire que "Budapest" a des références à d'autres Dickens fonctionne ailleurs "Copperfield," en particulier dans l'apogée du film et le sort d'une personnage principal), mais cela certes longue description espère mettre l'accent sur la façon dont le dernier film d'Anderson est très riche dans son contenu. Dans "Copperfield," Dickens est capable de plonger dans le monde imaginaire avec plus de liberté que dans tout autre travail grâce à la première personne le narrateur; tout le temps, il parvient à maintenir le réalisme de son monde au point. Anderson semble en mesure d'obtenir une liberté artistique similaire à chaque transition du narrateur récitant non seulement se déplace à une époque précédente, mais à un plus fantastique ainsi; Cependant, les changements constants à zéro plus (et ensuite à la jeune et vieux auteur) rappellent le spectateur de son / sa propre implication dans la visualisation et interpretting de l'information.

La narration de zéro explore sa relation avec l'excentrique Monsieur Gustave, qui est le concierge de l'Hôtel Grand Budapest et a un penchant pour les femmes plus âgées. Un jour, Gustave découvre que l'une des femmes qui a été un visiteur constant de l'hôtel est décédé. Il rend visite à son domicile pour ses respects finales (avec zéro comme son acolyte, bien sûr) et découvre qu'elle lui a laissé un tableau de valeur. Bien sûr, cela ne cadre pas très bien avec les enfants du défunt et un Ensues sauvages de chasse qui prend les deux protagonistes des aventures sauvages en prison, dans les montagnes et dans le cœur du Grand Hôtel Budapest.

Anderson parvient à créer ce qui semble être un monde de rêve à de nombreux moments; la première image de l'Hôtel ressemble à une peinture et est habilement conçue comme le mot «pittoresque» est parlée dans la voix-off. Le style pictural glorieux Anderson est ici en abondance, mais il semble qu'il a réussi à encadrer sur une échelle beaucoup plus grande que ce qu'il n'a jamais réussi à faire. Jonché au long des travaux sont magistralement encadrée de larges coups ainsi que la séquence de montage brillante qui sont efficaces non seulement pour l'immense plaisir qu'ils causent, mais pour leur exécution sans faille. Par exemple, Gustave concocte un plan pour obtenir de l'aide des autres concierges d'hôtel jonchées sur le continent. Gustave fait son appel et atteint la première conciergerie; Anderson coupe à une carte de titre avec le nom de l'hôtel puis introduit le concierge. Il parle brièvement au téléphone avec Gustave, le met en attente et appelle ensuite le prochain hôtel. La séquence de tir se répète, mais chaque fois que le spectateur voit un autre concierge engagé dans une nouvelle activité et chaque fois qu'il demande à un jeune apprenti de prendre le commandement de la tâche pour lui. Celles-ci vont de la dégustation de nourriture pour mener CPR entre autres; Anderson parvient à monter la barre en chacun, pour une expérience plus hilarant. Le téléspectateur souhaite presque que cette séquence se poursuivra à l'infini pour voir ce que les autres variations ingénieuse Anderson parvient à venir avec.

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Une autre technique stylistique brillante employé par Anderson est le choix de son ratio d'aspect et comment elle divise le récit et crée un sens de l'organisation calendrier pour le spectateur. Avec chaque pas en arrière dans le temps, le film modifie également son ratio d'aspect jusqu'à ce qu'il dépose sur 4: 3 tout au long du récit de zéro.

Les performances sont tout aussi brillant à maintenir une cohérence de ton long. Même si le style du film est renforcée, Wilkinson et Jude Law donnent l'auteur d'un fort sentiment de réalisme qui contraste fortement avec les personnages dans le récit de zéro; F. Murray Abraham, qui dépeint le zéro plus âgé, maintient également un ton similaire à Wilkinson et droit. Et tandis que ces performances sont louables dans leur propre droit, le spectacle appartient vraiment à Ralph Fiennes comme Gustave et Toni Revolori que le jeune zéro. Les deux contraste dans un certain nombre de moyens qui réussissent à ajouter de la variété et de l'imprévisibilité de la relation.

Zero Revolori est timide, les yeux écarquillés et maladroit; son monotone semble un peu bizarre, mais ajoute à son identité comme un étranger. Il maintient cette caractéristique pour la plupart du film, mais il met l'accent sur l'innocence de zéro et informe également magnifiquement la nostalgie romantique de son aîné auto.

Fiennes de Gustave est trop énergique (tellement que sa sexualité est souvent remise en question), plein d'esprit, dynamique et imprévisible. Dans une scène particulière, il fustige zéro pour faire une erreur sur une de leurs missions. Il parle assez rapidement mais il ya une retenue et ongles pour le battement verbale; le ton soumis souligne l'éloquence de Gustave, mais aussi sa nature intrinsèquement bon. Cela ne veut pas d'un homme qui va se transformer en un maniaque qui fait rage. Quelques instants plus tard, la situation est clarifiée et le personnage fait un tour complet émotionnellement; il parle toujours rapidement et énergiquement, mais il ya un sentiment de résignation et de la douleur dans la voix. Fiennes gère ces deux changements émotionnels sans bouger d'un pouce ou de changer la vitesse de sa livraison; il est tout simplement merveilleuse avec subtilité, presque complètement imperceptible qu'il gère pour permettre au spectateur de voir son dynamisme.

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Le reste du casting est remplie avec les principaux acteurs de la liste A; beaucoup d'entre eux faisant un peu plus d'excellents camées. Willem Dafoe devient le temps d'écran importante que Jopling le méchant. Ses yeux rayonnent de fureur et de menace. Adrien Brody est aussi un méchant, mais imprègne son rôle avec une qualité pathétique qui est amusant à rire. Saoirse Ronan joue l'amour de zéro Agatha, qui correspond à la maladresse de Revolori et les performances les yeux écarquillés. Anderson met effectivement une énorme quantité d'accent sur ses yeux tout au long du film, permettant au spectateur de l'identifier immédiatement comme l'achèvement du caractère de zéro. Alors que les yeux de zéro révèlent une blancheur confus parfois, Agatha sont pleins de vie et éclat.

Edward Norton, Owen Wilson, Harvey Keitel, Jeff Goldblum, Mathieu Amalric, Léa Seydoux, Bill Murray et Tilda Swinton sont quelques-unes des nombreuses étoiles qui obtiennent une chance de faire leur empreinte sur l'histoire; et chacun d'entre eux parvient à devenir mémorable à un certain niveau.

Comme toujours, le choix de Anderson de la musique est merveilleusement choisi. Il a utilisé Benjamin Britten "Guide de l'adolescent à l'Orchestre" que son principal motif musical pour "Moonrise Kingdom" de dépeindre le sens de la découverte des enfants. Dans "The Grand Budapest Hôtel" il utilise une partition qui dispose d'une quantité prédominante de la musique baroque; ce choix non seulement souligne la société haut de gamme dépeint dans le Grand Hôtel Budapest, mais il exprime aussi le fait que l'hôtel appartient à un passé glorieux qui ne existe plus.

En conclusion de ce réexamen, une comparaison finale avec "David Copperfield" semble plutôt approprié. Ce roman se termine avec un recul dans lequel l'auteur reconnaît la fin de sa tâche d'écriture; l'effet est l'un de nostalgie et malgré la fin heureuse, le lecteur ne peut pas empêcher de ressentir un sentiment de perte. D'autres films d'Anderson ont réussi à capturer un sentiment semblable et nulle part la nostalgie et le sentiment de perte plus grande que dans ce film. L'histoire garde son menton dans sa vision du monde, mais l'effet est pas rempli avec un optimisme sans bornes; il ya une douloureuse tragédie se cache sous ce qui reste avec le spectateur.

Wes Anderson, le vrai héros de "The Grand Budapest Hôtel," parvient à insuffler son style toujours bizarre avec humanité puissante et la vitalité qui maintient le spectateur non seulement plongé dans son monde imaginaire (sans doute son film le plus fantastique à ce jour), mais aussi ancrée dans le réalisme émotionnel qu'il représente. Les films d'Anderson semblent être de mieux en mieux et avec ce film, il a établi une nouvelle norme.