Metropolitan Opera avis 2014-15 - Le Nozze Di Figaro: A nuancée et rivetage Production de Masterwork de Mozart

Metropolitan Opera avis 2014-15 - Le Nozze Di Figaro: A nuancée et rivetage Production de Masterwork de Mozart


Marlis Peterson & Ildar Abdrazakov étaient excellents dans la soirée d'ouverture de la saison 2014-15 du Metropolitan Opera. Comment le reste de la soirée n'a aller? (Photo: Ken Howard / Metropolitan Opera)

Controverse et opéra ne sont pas des ennemis inconnus, mais l'ancien est devenu de plus en plus apparente au Metropolitan Opera.

Et il est donc pas surprenant que sa dernière production du magistral «Le Nozze di Figaro" de Mozart suit dans la même veine que ces productions. Évidemment, certains vont gémir sur la façon dont l'Opéra Met reste coincé dans le passé et ne peut pas faire son esprit jusqu'à quant à la direction théâtrale qu'il veut prendre. Il semble que le directeur général Peter Gelb, en tenant compte de son auditoire cible mixte, a opté pour l'évolution plutôt que la révolution (et ses inévitables douleurs de croissance) et Eyre est le meilleur représentant de ce mouvement.

Eyre définit l'opéra dans les années 1900 et, comme indiqué dans les notes de programme prend ses repères du film classique de Jean Renoir "Les règles du jeu" (qui a été inspiré par le jeu original de Beaumarchais sur laquelle se fonde aussi l'opéra de Mozart). L'ensemble est placé sur un plateau tournant présentant un total de quatre grands ensembles, un pour chaque acte. La chambre de Susanna et Figaro est un tout petit placard qui ressemble claustrophobe et entassés en comparaison avec le grand salon ou la chambre à coucher massif imposant de la comtesse. La production de Eyre, comme ses deux précédents, est cinématographique par son ampleur à son élaboration apparente mais touche minimaliste. Par exemple, l'ensemble est réellement métallique et gothique dans la conception. Les conseils de bronze regarde un environnement emprisonnante; Cela est particulièrement visible dans la chambre comtesse 'où la fenêtre qui menace elle-même a des lignes verticales et horizontales qui ressemblent à une prison plus ils font un manoir. La structure rigide à travers des jeux hors de cette sensation et dénote la présence imposante du comte. Il ya des taches de couleur dans chaque scène qui donnent l'ensemble un certain dynamisme, notamment de l'orange subtile sur le lit de la reine. La scène extérieure finale a quelques lumières dans le centre qui donnent la mise en scène une qualité mystique.

Comme indiqué, Eyre ne réinvente pas la roue ici, mais il est un récit clair et concis être dit. L'ensemble de chaque acte est plus grande que la précédente, soulignant apparemment les caractères «prendre plus de contrôle sur leurs destinées respectives tout au long de l'histoire. Le plan d'ensemble permet quelques moments vraiment cinématographiques. La fin de l'acte 2 est mis en évidence par le lit étant utilisé comme un diviseur entre les deux parties belligérantes (Susanna, Figaro, la comtesse contre le comte, Marcellina, Bartolo et Basilio) tandis que le sextet dans le troisième acte (dans laquelle Figaro découvre son lignage) présente Don Curzio et le comte sur les extrêmes de la scène tout en Figaro et son entourage profiter de leur moment d'intimité dans le centre. Que cela ne soit pas seulement mettre en évidence les relations, mais donne plus de poids à fait le comte et contrepoint musical puissant de Curzio chaque fois qu'il arrive. Après le mariage, il ya une brève instance dans laquelle les couples sont félicités par les clients dans le milieu du fond de la scène de la pièce, mais assis à des extrêmes opposés downstage sont le comte et la comtesse, apparemment en dehors de ce moment de joie. L'image est puissamment visuelle et révèle la profondeur de la relation jusqu'à ce point.

La scène finale est envoûtante. La décision de réduire les airs Basilio et Marcellina'S est très appréciée et permet l'action de couler à plein régime. Le climat "O Contessa Perdona" est fantastique dans la tension qu'il construit. Couplé avec un tempo lent de chef d'orchestre James Levine, le moment chorale qui a suivi est non seulement sublime suspense énorme musicalement mais aussi rempli. Et quand la libération éventuelle se présente sous la forme de la réconciliation tant attendue (ou longtemps désiré), le spectateur ne peut pas aider mais se sentent un formidable élan de joie.

Sans doute le plus intéressant des indices directoriales est la décision de mettre en évidence Eyre Cherubino et le comte que des feuilles. Un grand nombre de bourses d'études a été écrit sur la façon dont le jeune garçon est en train de devenir rien de plus que l'homme infidèle que le comte est. Et même Figaro semble reconnaître cette relation dans son aria «Non piu andrai." A un moment, le comte rend effectivement noter que Cherubino le suit partout. Et Eyre fait Cherubino une ombre du comte avec des palettes de couleurs similaires sur leurs vêtements jusqu'à ce qu'ils soient à la fois porter les costumes identiques dans l'acte final de l'opéra.

Il ya tellement plus à écrire sur cette brillante production, mais il a vraiment besoin d'être connu pour le plein effet (en particulier le grand bal, la photographie, à la fin de la Loi 3 et merveilleusement exécuté l'évasion de Cherubino par la fenêtre).

Cela dit, tout ne fonctionne pas. Il ya certaines tentatives pour briser le quatrième mur qui se détache un peu inachevé. Le meilleur exemple de cela vient à la fin de l'acte 2 quand les personnages, au milieu d'une querelle, décident de se tenir au bord de l'avant-scène et de chanter pour le public. Le moment est donc hors contexte avec tout ce qui vient avant qu'il vient presque éteint comme le dernier recours d'un manque de d'autres idées sur la façon de mettre fin à la scène. Une tentative plus tard par Figaro pendant ses Loi célèbre aria 4 "po Aprite 'quegli occhi" est beaucoup plus de succès à cet égard.

Il ya aussi une certaine mise en scène tâtonné et confus pendant le comte et rendez-vous "Susanna" dans lequel se situe autour de Figaro avec une caméra. Il obtient giflé par le comte et une certaine confusion découle, mais les motivations de Figaro pour aborder le comte ne sont pas claires et il n'y a également aucune explication logique pour expliquer pourquoi le comte ne remarque pas que son rival est debout juste là.

Les chanteurs étaient formidables à tous égards. Soprano allemande Marlis Peterson était incontestablement la star de la nuit avec sa coquette Susanna. Tout autour d'elle, de sa voix délicate à son physique agile, dépeint une femme intelligente dans son 20s. Et de tous les personnages, il était Susanna, pas Cherubino ou le comte, qui ont été accusés plus sexuellement. Son "Don Don» a été souligné par certains gestes plutôt explicites et elle monté Figaro dans leur ouverture et de clôture des duos. Sa voix avait une chaleur et la sensualité extatique lors de son fameux air «Deh Vieni, non tardar» et le crescendo à la cadence paroxystique souligné le caractère surnaturel de la pièce.

Comme son amant Ildar Abdrazakov était un fringant Figaro. Il a joué le rôle il ya deux saisons et a donné le caractère un niveau similaire de l'héroïsme, mais son interprétation musicale a clairement augmenté depuis. Sa voix semblait avoir une puissance rude durant les premières parties de l'opéra, en insistant sur une énorme confiance de son personnage. Ce fut notable dans l'ouverture de deux arias "Se vuol Ballare» et «Non piu andrai" où il a chanté avec fermeté et droiture.

Mais comme le travail et démêlé Figaro est devenu plus d'une marionnette dans les régimes des femmes, une fragilité situé dans qui a ouvert son cœur à l'auditeur. Ses cris de "Susanna" pendant le récitatif précédant le «po Aprite 'quegli occhi" ont été chantés avec un fil fragile de la voix, belle et déchirante à écouter. Au cours de l'aria qui a suivi, il a chanté avec une énorme colère gronder tout le public. Le duo final avec Peterson qui a pris fin l'acte présenté les deux chanteurs parfaitement adaptés les uns aux autres émotionnellement et musicalement.

Beaucoup a été fait dans cette analyse de la façon d'imposer la présence du comte était dans le langage visuel de la mise en scène, et ce ne fut renforcée par l'imposante figure et la voix de Peter Mattei. De son entrée en avant, le baryton suédois a chanté avec l'abandon sauvage. Si Susanna était l'extraverti femme ultime, il était son mâle égale du début à la fin. Sa fureur lors de son Acte 2 confrontation avec la comtesse était assez effrayant à voir car il y avait un sentiment qu'il pourrait lui jeter à travers la pièce à tout moment. Et ses regards menaçants et suspectes à Cherubino fait craindre pour la vie de la jeune garçon. Bien sûr, il n'a pas été simplement un taureau furieux, mais trahissait un manque de confiance en soi. Pour l'ensemble de ses forces, le comte de Peter Mattei jamais vraiment ressemblait à un homme dans le contrôle complet et il a constamment présenté un sentiment de frustration perpétuelle. Son courtiser de Susanna est sorti comme une désespérée et manquant de tact ou de tout courage. Il était comme si il était un homme qui tentait de retrouver ses fanfaronnades et de prouver qu'il avait encore «ça».

Ses Loi célèbre aria 3 peuvent signaler fureur et un désir de vengeance, mais dans les mains de Mattei le caractère semblait un homme brisé. Il est intéressant de souligner un moment plutôt poignante plus tôt dans l'acte après avoir entendu "Hai gia vinto la causa». Après la ligne célèbre, le comte de Mattei était là en état de choc, une pause dramatique énorme. Sa réaction a été l'un de stupéfaction mêlée de douleur. Il était en colère, mais sa réalisation qu'il avait été dupé semblait venir comme une agression douloureuse sur lui. Quand il demanda pardon à l'apogée de l'œuvre, sa voix était délicat et doux, une caractéristique qui n'a pas été présent avant, mais a été entièrement prévu et crédible dans ce personnage tourmenté. Dans de nombreuses productions, le comte est si méprisable que son éventuelle réconciliation sent improbable. La performance de Mattei fait tout le monde se rappeler que ce comte est pas simplement un autre Don Giovanni, mais un homme souffrant qui a tout et ne sait toujours pas ce qu'il veut et les besoins vraiment.

Comme sa femme était soprano Amanda Majeski dans son débuts au Met. Le chanteur n'a pas été prévu de chanter la performance d'ouverture, mais après un changement de casting lui a donné la charge. Et elle a géré admirablement. Il y avait des signes de nerfs à la fois de ses arias et elle a lutté avec ses passages ascendants dans la Loi 2 trio avec le comte et Susanna. Mais cela n'a pas occulter certains moments autrement fines. Sa voix est mince et son vibrato rapide, mais son phrasé était toujours élégant et posé, comme il est nécessaire pour un caractère comme une comtesse. Elle a maintenu une certaine réserve dans son interprétation, permettant la comtesse d'avoir du plaisir tout en flirtant avec Cherubino, mais jamais dans une mesure qui semblait sous son statut ou la fidélité indéfectible au comte. Vocalement, elle était formidable dans la coda de son deuxième aria "Dove sono" et avait un incendie et la confiance qui a été parmi ses plus beaux moments de la soirée. La récapitulation du thème d'ouverture de la même aria suivi une pause convaincante rempli de douleur et le chagrin. Quand elle a choisi de pardonner le comte, a été brillamment Majeski engagée vocalement et physiquement. Elle attendit un peu légère avant de lui donner réponse vocale (un autre grand coup de théâtre), puis a chanté avec une délicatesse qui correspondait Mattei. Pendant le refrain qui a suivi, elle lui tourna le dos à lui, ajoutant tension pour le moment et regarda Susanna pour le soutien. Quand elle a finalement pris sa décision de lui pardonner elle a sauté dans ses bras presque comme si un adolescent rajeuni dans l'amour. Il était si les éclairs de leur romance passé avaient soudainement jailli à la vie à partir de rien. Il était une débuts triomphants pour le soprano et elle sera sans doute mieux que le terme porte sur.

Isabel Leonard est devenu un favori des fans au Met après des performances remarquables au cours des années. Mais son Cherubino pourrait bien être le meilleur du lot à partir d'un point de vue vocal et dramatique. Elle a joué le jeune garçon à la perfection. Son Cherubino développé dans un compatriote coquette confiante qui n'a pas hésité à tirer sur tous les mouvements sur les autres dames. Et celui-ci offrait une belle contrepoint au comte. Alors que le comte de Mattei est sorti comme désespérée dans ses avances de Susanna, Cherubino de Leonard conservé cette ardeur juvénile et ludique. Tout était un jeu.

Mais ce développement dans un Adonis à part entière était en fait un processus graduel. Quand il est d'abord introduit, Cherubino est à la recherche autour d'un peu perdu jusqu'à ce qu'il tombe sur la chambre de Susanna, le portrait craché d'une personne manquant d'un sens de l'orientation ou de l'auto. Son flirt était semblable au désespoir du comte de et son premier aria "Non so piu cosa son, cosa faccio" exprimé que le manque d'identité. Leonard étendu la phrase "E soi non ho chi m'oda (Et je avoir personne pour les écouter)," ce qui lui donne la nostalgie et la mélancolie. Il a également révélé une profondeur de maturité dans l'interprétation du personnage. Cherubino peut être un enfant qui n'a pas une compréhension de qui il est ni ce qu'il fait, mais il sait une chose est certaine - il est solitaire et aspire à combler ce vide.

Au cours de l'ariette que Cherubino chante à la comtesse («Voi che sapete»), Leonard a commencé comme si elle était en fait une performance. La voix était pleine et sa main a été maladroitement tendue vers son public. Mais comme Cherubino gagné la confiance, Leonard fait une dimuendo progressive tout au long de l'aria jusqu'à la réexposition a été livré dans un phrasé pianissimo intime qui avait plus de chaleur, la délicatesse et la puissance qu'il a fait quand il a été chanté à pleine voix. L'image finale à la fin de l'aria était du jeune garçon regardant profondément dans les yeux de la comtesse. Les deux personnages connectés en un moment magique de l'amour romantique ne pourraient jamais trouver dans les conditions du monde réel qu'ils endurent. Et à partir de maintenant, il semblait que Cherubino de Leonard a gagné la confiance et est devenu une sorte de showman. Mouvements et gestes étaient souvent un peu over-the-top, mais ils ont travaillé dans le cadre du personnage - un garçon apprend à être un homme et de faire de son mieux pour jouer le rôle. Par la scène finale de la Loi 4, la suavité était en plein écran comme Cherubini flirté avec "Susanna". Il était un contraste frappant avec les tentatives désespérées de courtiser dans le premier acte.

John Del Carlo était un robuste Bartolo et sa voix avait une qualité délicieusement snob lors de son aria «La Vendetta." Comme son allié (et future épouse), Susanne Mentzner était un Marcellina fragile mais hilarant. Elle a donné le caractère certains jeunes et impertinence. Greg Fedderly était un flamboyant Don Basilio et son chant emphatique avaient une qualité serpent qui a fait de son caractère à la fois amusante et menaçant dans le même temps. Ying Fang était un solide Barbarina, donnant ses aria seules grandes profondeurs de la mélancolie.

James Levine était une merveille à voir sur le podium pour sa première soirée d'ouverture depuis de nombreuses années. Il a reçu une ovation enthousiaste de l'obtenir-aller et n'a jamais perdu l'amour et le respect du public. Et pourquoi ferait-il? Il était brillant et poli à son conducteur tout au long de la soirée. L'ouverture siffla avec de l'adrénaline et l'excitation. Il y avait élasticité dans son accompagnement qui a ajouté quelques instants plutôt introspectives. Il y avait de nombreuses pauses dramatiques et les chanteurs ont eu la liberté de développer leurs expressions en fonction de leurs caractérisations. L'ensemble final a été lent, mais il dégageait une qualité plus onirique à la procédure et a permis au public de savourer ce que la plus sublime des passages un peu plus longtemps. Si jamais il y avait un moment pour Faust de Goethe pour demander un moment pour "attarder," cet ensemble serait elle. Et Levine a permis qu'il en soit ainsi.

Malgré les protestations, qui va sans doute laisser leur empreinte sur la conscience collective, l'art a gagné à la fin. Cette «Nozze di Figaro» est un triomphe théâtral, et le casting qui a été assemblé est aussi bon que tout ce que l'on pourrait demander.

POUR PLUS D'OPERA ET DIVERTISSEMENT NOUVELLES, cliquez sur ce lien pour visiter ENTERTAINMENT PAGE LATIN POST.COM

Vous voulez entendre plus de David? Comme la page de David Salazar sur Faceb ook